Escrita e desenhada por André Só, A Maldição de Boa Fortuna é uma Graphic Novel de terror na qual três amigos mochileros vão parar em um engenho histórico sem saber que ele é assombrado. Ao tentar entender porque há escravos trabalhando ainda no local, os jovens acabam por invocar os fantasmas da antiga família do senhor de engenho, que retornam para assombrar e torturar a todos!

Com um video diferente do padrão dos projetos apresentados no Catarse, André Só dá o tom da HQ:

Saiba mais sobre o projeto tanto na página do Catarse quanto na página do Facebook e não deixe de colaborar. Como em todos os outros projetos do Catarse, o risco para o colaborador é zero: se o projeto sair, seu investimento terá retorno. Se não sair, você recebe seu dinheiro de volta.

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A senhora Immonen fez o roteiro de uma série em cinco partes de Journey Into Mystery focado em Sif, que se envolveu com magia de  bersekers. A HQ é divertida e foge bastante do arroz-com-feijão das comics (ou seja, recomendo!).

A seguir, veja um passo-a-passo da concepção de duas páginas da HQ:

Roteiro de  Kathryn Immonen, lápis e arte-final de Valerio Schiti e cores de Jordie Bellaire.

Curta mais uma página:

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Junte-se à Felipe 5 Horas, Barba Magnética, X-Salada, Isaac e o ouvinte Samucat à uma abrangente e embasada pesquisa na vida e obra “dos meninos”. Estamos falando de The Boys, a polêmica HQ de Garth Ennis e  Derrick Robertson.

Nesse episódio, aprenda a relação da Pro com os Boys, entenda a comparação com Watchmen de Alan Moore, descubra se Preacher tem alguma coisa a ver com isso tudo e exercite seu direito de não conhecer Transmetropolitan.

Saiba também os pontos altos dessa HQ, os perigos de levá-la em viagens internacionais e a maneira correta de escolher apelidos super-heróicos.

Download: Para baixar o episódio,

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Produto da mente amalucada do ex-grafiteiro Brandon Graham, King City acompanha as aventuras de Joe, um “cat master” sempre metido em encrencas, sejam elas no campo amoroso, da espionagem ou simplesmente tentando impedir o fim do mundo. ”Cat master”? Você deve estar se perguntando. Bem, é difícil de explicar. Mas basicamente o gato de Joe tem certas habilidade bem úteis e inusitadas, e graças ao gato ele esta vivo até hoje. Escapando da máfia, das gangues e de entidades demoníacas da quinta dimensão. Sim, é uma grande mistura. E sim, nem tudo vai fazer sentido, mas no fim você irá se divertir.

Graham tem uma arte muito detalhada e fortemente influênciada pelos mangás. Suas splash pages panorâmicos são como várias histórias em um quadro só, lembrando Geof Darrow pelo detalhismo ou até mesmo as mini-gags do grande Sérgio Aragonés. Tudo com doses de humor, ação, non sense e gatinhos fofinhos, que se quisessem poderiam matar você, sua família, seus amigos, seus colegas de trabalho, seus vizinhos… bem, acho que deu pra entender, não?

King City

Roteiro e arte: Brandon Graham

424 páginas

2012
Image Comics

Compre aqui

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De antemão já deixo aqui explícito que não é um mangá para pessoas fracas ou com certas restrições com violência, bizarro e gore, já que esse é o plot principal de todas as histórias que compõe essa publicação. Em preto e branco, com artes belíssimas e uma linguagem/movimentos impecáveis e leves, esse mangacá, é mundialmente conhecido por trabalhar no estilo erotic grotesque, traz desde mortes por espancamento e asfixia, até militares cheios de pompas e valores fazendo sexo com seres humanos decepados em meio a cobras, tartarugas e outros animais.

Preciso dizer que não consigo olhar integralmente como algo literal. A mente de Maruo realmente deve ser algo perturbadora, mas muitas vezes ali enxergo uma forma agressiva e bizarra de protesto e expressão de ideias. Em suas páginas ele contesta a família, os valores, a vida, os sonhos e religião. A submissão é algo normal, mas muitas vezes o submissor se coloca num papel de vítima de seus próprios desejos. Mas de qualquer forma é uma leitura pesada.

Você pode comprar esse título clicando aqui. A Conrad lançou outros dois títulos de Maruo por aqui: Paraíso: O Sorriso do Vampiro e O Vampiro que Ri.

Ero-Guro – o erótico grotesco de Suehiro Maruo

Roteiro e arte: Suehiro Maruo
Conrad
214 páginas
2005

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Desolation Jones acompanha os serviços do investigador Michael Jones. Ex-agente de campo do MI6, e único sobrevivente do Desolation Test, ele vive hoje radicado na capital californiana, assim como fileiras de ex-operativos de agências de inteligência de todo o mundo. Viver em Los Angeles pode ser encarado como uma benção ou como uma maldição, já que nenhum agentes podem deixar a cidade. São praticamente invisíveis ao governo local e tem imunidade para qualquer ação, desde que dentro da “comunidade de agentes”. Contratado para encontrar o que muitos chamariam de “O Santo Graal” da pornografia, Jones sai a caça de rolos de filme que registram o “home-made porn” estrelado por Adolf Hitler em 1944!!

Um roteiro insano, que casou perfeitamente com a arte camaleônica de J.H. Williams III. O premiado desenhista conseguiu sem sombra de dúvida expressar visualmente essa LA tão caótica e permissiosa. Variando técnicas, acabamentos, e narrativa visual. Infelizmente, por motivos ainda hoje nebulosos, apenas um encadernado da série foi produzido. Um segundo volume, chamado To Be in England, começou a ser lançado, mas estranhamente teve sua publicação interrompida sem motivo aparente. Ellis até hoje faz questão de frisar que os direitos da série continuam sendo dele, mas o motivo para série ter sido enterrada ainda é um mistério.

Desolation Jones: Made in England

Roteiro: Warren Ellis
Arte: J.H. Williams III
Cores: José Villarrubia
144 páginas
2006

WildStorm

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Na história conhecemos Jon Moore, um ex-agente da CIA, que foi submetido a experimentos médicos contra sua vontade e agora enxerga uma entidade que se apresenta como Jake Ellis. Como um anjo da guarda james-bondiano, Ellis está sempre orientando Jon e, graças a isso, a dupla — se é que se pode chamar de dupla, porque a real existência de Jake é sempre colocada em cheque — está sempre em fuga, tentando evitar a organização que o aprisionou e o usou como cobaia.

Com muito mistério e ação desenfreada, essa HQ é uma ótima transposição dos filmes de espionagem atuais. Com um roteiro muito bem amarrado e uma arte que lembra muito David Mazzucchelli na fase de A Queda de Murdock e Batman – Ano Um. Essa edição compila o primeiro arco da série. Mas um segundo já está sendo publicado, dessa vez, com o nome de Where is Jake Ellis? Uma ótima pedida pra quem quer fugir um pouco das HQs de super-heróis, mas que ainda precisa de sua dose mensal de adrenalina e um martini — batido, não mexido, por favor.

Who is Jake Ellis
Roteiro: Nathan Edmonson
Arte: Tonci Zonjic
136 páginas
2012
Image Comics

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Sledgehammer 44 é uma mini-série em duas partes, escrita em parceria por Mignola e John Arcudi, com desenho de Jason Latour e cores de Dave Stewart,  e tem tudo para se tornar mais um “braço” rentável e criativo do “Mignolaverse”. Segundo Mike, o universo do Hellboy sempre teve uma lacuna temporal durante a Segunda Guerra Mundial. Lagosta Johnson morreu antes da guerra, Hellboy aparece na Terra apenas no término do conflito, deixando apenas o Professor Broome atuante nessa época. Foi da necessidade de preencher esse período histórico que eles desenvolveram a história onde um grupo de soldados americanos precisa de dar suporte à nova arma dos aliados contra os nazistas em solo Francês.

Sledgehammer 44 é basicamente uma história de robôs descendo a mão em outros robôs. Como sempre, os escritores fizeram uma boa pesquisa histórica e visual para inserir essa versão mais fantasiosa da guerra — tudo com muita veracidade, locais, armas, equipamentos… os produtores de Band of Brothers ficariam orgulhosos. A primeira edição tem muita ação e a segunda fecha com um ótimo plot twist, que dá abertura para uma infinidade de aventuras na Segunda Guerra.

Jason Latour já está para entrar na minha lista de melhores artista do mercado americano atualmente. Ele consegue mesclar referências realistas com elementos caricatos de forma muito coesa. Tem um traço dinâmico, as vezes até bem cru, e sabe trabalhar com onomatopéis e retículas como poucos na indústria. Somando isso às cores de Dave Stewart — que não necessita de apresentações, tamanha a coleção de prêmios que já recebeu na carreira —  temos Sledgehammer 44, uma revista que eu gostaria de ver mais edições.

Sledgehammer 44

Roteiro: Mike Mignola e John Arcudi
Desenho: Jason Latour
Cores: Dave Stewart
Dark Horse
32 páginas cada edição
2013

Compre aqui

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Desenhado por Esad Ribic, o mesmo que agora desenha Thor: God of Thunder e já fez Namor nas profundezas, e que une técnica e bom gosto concluindo em uma arte bela e refinada. Cada página é digna de ser exposta em museus ou galerias de arte (inclusive, você pode comprar um original clicando aqui). Esse roteiro de Robert Rodi é interessante por abordar não somente o lado endeusado do universo desses personagens, mas colocá-los no chão com os pontos político-sociais ali levantados. Mostra-se a disputa de poder bem como a impotência e demência de quem só busca o poder puro mas nada sabe sobre o que fazer com ele.

É uma HQ que vale a leitura tanto pela arte e o roteiro, bem como por essa mudança de visão onde Loki, que é vil e vingativo e não lembra em nada o “engraçadinho” dos cinemas, te leva para passear pelos cantos escuros de Asgard. Mostrando a podridão e a sujeira pela qual se esgueirou todo o tempo em que era um coadjuvante do reino.

LOKI     –     COMPRE AQUI

Roteiro: Robert Rodi
Arte: Esad Ribic
Panini
104 páginas
2007

Compre Aqui

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Acho que é justo dizer que essa HQ me pegou de surpresa.

Seguindo uma série de teasers  que parodiavam posteres de filmes dos saudosos anos 80 em Hollywood — sendo um deles Willow — , pensei tratar-se de uma biografia-paródia, com diversas referências ao cinema de ação e aventura oitentista mas não é esse o caso. Trata-se de uma HQ séria, escrita em verso (sim, o narrador faz rimas) sobre um ator que trabalha em um sub-gênero cinematográfico bem específico: Ascensão & Queda de Big Mini presta homenagem às cinebiografias de atores pornôs.

Artur Fujita relata as aventuras do primeiro ator anão dessa indústria, desde seu início até a sua decadência.

Dizer que é uma “HQ séria” pode dar a impressão errada, então vamos esclarecer: A&QBM é uma HQ divertidíssima, a começar pelo traço de Fujita. Suas linhas são econômicas e precisas. Ele não faz uso de hachuras, deixando que as cores complementem o traço.

Os personagens são desenhados de forma divertida, quase caricata. Em alguns casos tem-se a impressão de ver um ator  de Hollywood no background. Eu tenho certeza, por exemplo, que o empresário de Big Mini é o ator Allen Covert.

A história é dividida em duas partes, uma mostrando o presente — do ponto de vista de Big Mini — e outra de seu passado, quando começou na industria. Essa parte abusa da colorização por retículas, que dá um toque especial ao quadrinho.

A narrativa da HQ é impecável. Fica claro para o leitor, tanto pela colorização quanto pela forma de usar as sarjetas, qual é o momento da história.

Assim como Sequence Shot e Surubotron, – não sei se propositalmente — Ascensão e Queda de Big Mini não é indicado a menores de idade. E assim como os outros ele marca o início do selo Dead Hamster e é o primeiro trabalho autoral de Fujita.

Que venham mais!

Ascensão e Queda de Big Mini

Roteiro e Arte: Artur Fujita
Dead Hamster
24 páginas
2013

Compre aqui

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Junte-se a 5 Horas, Barba Magnética, Marcos X-Salada e Aline Valek do Danger! num episódio estilo “esquenta” para a nova película de Robert Downey Jr. e Gwyneth Paltrow.

Nesse episódio falamos sobres os primeiros filmes do Homem de Ferro, de sua participação no filme dos Vingadores e da HQ Extremis, escrita por Warren Ellis e desenhada por Adi Granov. Que dizem as más linguas foi usada como referência para o terceiro filme do Latinha.

Descubra o que é o tal aprimoramento Extremis, aprenda a fazer uma lancheira de bateria de carro, descubra quem tem o poder do coração, conte com quantas armaduras se faz um blockbuster e SEMPRE mantenha suas expectativas baixas.

De quebra, escute a nova atração do programa, a Kokodica! Onde teremos participações dos leitores que mais comentam no site, indicando uma HQ de sua escolha.

Para ouvir o programa:

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Comentado nesse episódio:

A “armadura primordial”

Monólogos e ação desenfreada

Mugshots: as fotos de cadeia de RDJR

Conheça o diretor fanfarrão

Os Super-Patos de Ferro da Disney

Compre Extremis aqui

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O quadrinho mudo segue uma série de regras para funcionar. Sem o auxilio das palavras — seja através dos personagens ou de um narrador — a história acaba tendo que ser simplificada ao máximo. Se mais precisa ser dito, serão necessários mais páginas e mais quadros. Uma excelente maneira de entender isso é lendo as três HQs mudas de Gustavo Duarte que antecederam o Monstros! Todas elas contavam uma história simples — mesmo que surreais –, seguindo uma linha de raciocínio com um personagem principal guiando toda a HQ.

No caso de Sequence Shot, Tocchini joga tudo pro alto e faz uma história seguindo uma narrativa no estilo “plano-sequência”. Explicado de maneira simples (e copiando da Wikipedia – PT) “Plano-sequência, em cinema e audiovisual, é um plano que registra a ação de uma sequência inteira, sem cortes”. Os planos-sequência mais interessantes são aqueles em que a câmera parece seguir um personagem e/ou objeto durante um longo período de tempo sem “desligar a câmera”.

E Tocchini faz isso muito bem.

A HQ tem elementos para agradar tanto os aficcionados por quadrinhos quanto os cinéfilos.

Acompanhe a história que dá um nó na cabeça do leitor, enquanto novos personagens são introduzidos, novos elementos entram em jogo, novos “efeitos de câmera” são utilizados e nos vemos lançados numa sequência de plot twists que surpreendem por caber em apenas vinte páginas.

Não há como falar mais da história (“mais?”)  sem revelar o plot. Apenas dê à mão a Tocchini enquanto ele te guia nesse retrato de 15 minutos na vida de MacGuffin.

Sequence Shot

Roteiro e Arte: Greg Tocchini
Dead Hamster
24 páginas
2013

Compre aqui

* E não vou falar nada da arte do Tocchini. Ele já provou que imagens valem mais do que palavras.

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O primeiro é o ponto de vista de publicitário, focando nas marcas e em como essas conseguem se reinventar para gerar lucro. E nesse sentido acho muito positivo, pois hoje você tem uma abertura maior para cercar os consumidores e fazer com que eles criem hábitos de coleção. Comprando de tudo, de cuecas a torradeiras, as pessoas conseguem se aproximar e demonstrar sua admiração por um personagem ou uma série específica. E sempre colocam valor agregado a certos itens mais caros sendo roupas variáveis, assinadas ou edições limitadas.

Já da segunda maneira, vejo isso como alguém que coleciona quadrinhos. E sim, gosto de ter alguns bonecos, acho legal ver que a indústria abriu os olhos a algo que faz parte da minha vida e me entretém há tantos anos e já me ajudou inclusive profissionalmente. É como você ver um amigo se dando bem, tendo apenas os olhos emocionais e ignorando uma série de fatores.

Porém, como nem tudo são rosas, a visão que mais pesa para mim é essa terceira que tem mais critério e análise embutidos. E aqui enxergo que sim, as indústrias precisam gerar lucro, empregos, novas vertentes dos seus produtos e se reinventar. Fazer com que aquele custo dos quadrinhos seja pequeno próximo de toda a infinidade de produtos que ele também pode comprar do mesmo tema. Mas ao mesmo tempo esse empurrãozinho que a cultura pop está dando nesse mercado, seja com séries como The Big Bang Theory e The IT Crowd, ou com reportágens e entrevistas do tema, pode ser um pouco forte demais a ponto de termos um tropeção logo em seguida pois, diferente de 20 ou 30 anos atrás, não conseguimos mais identificar novos “Franks Miller” ou “Alans Moore” que escreveram coisas tão fantásticas que elevaram os padrões do que estava sendo feito na época.

De maneira extremamente generalizada, o que consigo identificar agora são ruminações, já sem gosto e desagradáveis, de tudo o que já foi escrito ou desenhado em outras décadas, mas com um novo contexto político-social. A busca agora é por novos leitores e os que já leem há anos que procurem outras coisas para fazer ou aceitem o que tentam te enfiar goela abaixo.

O que endossa isso é o que um autor de quadrinhos certa vez escreveu em sua rede social “Quadrinistas são os novos rock stars”. É, pode até ser, mas espero que esses “novos rock stars” queiram ser como o  Slayer e não como o Restart.

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A história se passa com Tony Stark revesando entre seu traje de combate e um Audi R8 pilotado por sua namorada Pepper Potts.

O final ainda não está fechado e, como mostrado no vídeo, você pode mandar seu desenho ou fotos pelo site e inspirar o fim dessa jornada. Os materiais enviados serão avaliados por votação popular e depois por editores da própria Marvel. Se for mandar algo, apresse-se, pois falta pouco mais de dois dias para definirem o fim.

Acesse Steer the Story e leia a HQ.

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Alimagno foi super simpático em nos ceder o artigo para tradução e entendemos que isso possa ser de grande valia para todos os profissionais do mercado de quadrinhos brasileiro (e não apenas os coloristas).

Sem mais delongas, segue abaixo a tradução da entrevista de Alimagno e Erick Arciniega conforme ela foi publicada no iFanboy (você pode ler a original clicando aqui).

*****

Essa coluna será diferente, pois ao invés de analisar um desenhista, vou comentar sobre um colorista. Talvez não haja nada mais mal-interpretado nos quadrinhos do que a importância das cores. Queira você note isso ou não, colorir dentro da linha é o que separa a arte da Marvel de todas as concorrentes. Para criadores aspirantes por aí, é de vital importância que se entenda que uma boa colorização não só melhora a HQ como também a salva quando a arte peca. Para editoras em crescimento, é crucial entender como uma boa colorização pode ajudar a estabelecer séries e até transformá-las em franquias. Desenhistas em ascensão precisam entender como uma boa colorização pode fazer com que seu trabalho pareça incrível ou falho para editores que queiram contratá-los.

Vou analisar o trabalho de Erick Arciniega, disponível aqui.

Erick Ariciniega

Bon Alimagno: Pode nos falar um pouco de você?

Erick Arciniega: Sou do Mexico, o mesmo país de Marte Gracia, Edgar Delgado, Carlo Barberi etc. Tenho 23 anos de idade e meu primeiro trabalho como colorista foi a 2 anos atrás. Isso aumentou minha paixão por quadrinhos, pois eu não os lia. Sou um artista conceitual que trabalha em período integral com video-games.

BA: Como você descreveria seu estilo para alguém que não lê quadrinhos?

EA: Eu tento combinar um pouco de cartunismo com algum realismo, sempre tentando chegar a um nível profissional. O mais importante para mim é a emoção que o trabalho passa.

BA: Quem são seus coloristas favoritos e por que?

EA: Marte Garcia – eu amo seu estilo! Me impressiona como ele chegou a um novo nível no estilo cell-shading.

Justin Ponsor – ele faz com que tudo pareça cenas de filmes.

Rain Beredo – Ele faz com que tudo pareça real e eu amo isso.

BA: Marte, Justin e Rain tem estilos bem diferentes. Qual deles você diria que é seu favorito?

EA: Acho que Marte. Sou um grande fã de seu trabalho em Deadpool.

BA: Quais você considera que sejam seus talentos e dificuldades?

Marte Gracia

EA: Minhas dificuldades: Acho que tenho pouco material publicado. Ainda estou aprendendo e desenvolvendo meu estilo. E os cabelos, demora-se um pouco mais pra aprender a colorir cabelos.

Meus talentos: Eu sou também um artista conceitual, então eu tenho um amplo background  em arte, mas ao mesmo tempo é complicado mudar do estilo arte conceitual para o estilo de quadrinhos. Sempre me pedem para colorir “mais cartum”. Mas eu tenho foco! Eu sempre dou meu melhor para cada trabalho que faço.

BA: Em geral, quantas páginas de HQ você consegue colorir por dia?

EA: Eu pinto umas 3 páginas por dia. As vezes mais, as vezes menos.

BA: Esse é um bom ritmo. É esperado que coloristas na Marvel, em geral, consigam pintar de duas à três edições por mês.
Onde mais você coloriu profissionalmente? Para qual empresas e projetos?

EA: Eu trabalhei mais com quadrinhos independentes, empresas como Interverse Comics (Last Apprentice, Bushidan), Bluewater Productions (10th Muse, Legend of Isis, Judogirl) e alguns quadrinhos semanais (Twilight Lady por JK Chen, Johnny Saturn).

BA: Com que desenhistas (lápis) você mais gostaria de trabalhar e por que?

EA: Barberi. Paco Medina. Humberto Ramos.

BA: Bom. Eles são artistas da Marvel e geralmente tem seus trabalhos coloridos por Marte Gracia ou Edgar Delgado.

Mais cedo você comentou que um de seus coloristas favoritos é Marte e o que ele fez com o estilo cell shading. Eu posso, definitivamente, ver seu trabalho emulando isso. Mas a palheta de cores de Marte é incomum para outros coloristas da Marvel. Ela é mais escura do que a maioria e usa-se de muitos tons de marrom, cinza e roxo, como você o mostrou em suas páginas. O que faz com que a palheta de cores de Marte funcione é que ele sabe ser bem preciso sobre a iluminação da cena, acertando exatamente onde deve colocar seus cortes de luz de forma que consiga transmitir aos personagens definição e permitir que eles se sobressaiam numa página mais escura. É algo muito complicado o que ele faz. Vejo que você está tentando fazer algo parecido, mas acho que você precisa trabalhar mais na iluminação ainda. Na maioria de suas páginas a iluminação não parece natural; difícil de entender onde está a fonte de luz nas páginas. Você renderiza páginas que parecem escuras ou sujas, o que tira a profundidade da arte.

Em quase todas suas páginas os personagens e cenas de fundo são iluminados como se uma fonte de luz estivesse apontando diretamente para eles. Se isso for repetido páginas-após-página, os leitores acharão pouco-realista e isso acaba por afastá-los da história. Isso também faz com que o personagem pareça brilhante demais, como se fossem feitos de plástico ao invés de pele. Esse tipo de iluminação da cena foi muito popular nos anos 90, na aurora da colorização digital. Mas com a colorização Crossgen/Wildstorm, o movimento em direção a uma colorização que se parecesse mais com pintura emergiu, o que manteve a beleza vibrante da colorização digital mas adicionou sombreamento e renderização mais sutis e uma sensação mais orgânica à colorização. Marte e outros coloristas como ele são a exceção com seu estilo cell-shading mas, novamente, eles fazem isso devido a um grande talento em iluminação. Eu sugeriria que você “brincasse” com cores mais escuras apenas se conseguir dominar a iluminação como Marte consegue.

Justin Ponsor

Do meu tempo na Marvel, os editores valorizavam mais os coloristas que usavam uma paleta quente, mais baseada em tons de vermelho e alaranjado e tons claros de amarelo e azul. Guiados por Richard Isanove, Laura Martin e Justin Ponsor, esse estilo solidificou o que todos os seguintes fariam e deu aos quadrinhos da Marvel uma aparência muito mais convidativa do que a maioria dos títulos da DC.

Para os próximos passos eu te encorajaria a estudar a colorização de faces. Isso parece algo simples, mas trata-se de um detalhe vital: se você consegue fazer rostos que chamem a atenção de seu trabalho em relação a outros coloristas. Estude, especialmente, a forma com artistas como Justin Ponsor trabalha com elas, como a forma que ele faz a colorização de Miles Morales em Homem-Aranha Ultimate. Eu conversei com ele quando o personagem surgiu pela primeira vez e ele me disse que a forma que ele trabalhava as cores vinha, em parte, como determinados personagens como Broyles (do seriado Fringe) são iluminados na televisão, como as texturas únicas de seu rosto não eram lisas e como a luz tocava e contornava suas orelhas. Acertando em detalhes tão sutis contrói, na percepção do leitor, que o que eles estão vendo é real. Algo em que eles podem se deixar levar e não algo criado no Photoshop.

EA: A iluminação é sempre difícil. Eu realmente preciso estudá-la mais. Agora que eu vejo minhas páginas através de seus comentários eu percebo melhor meus problemas. Eu realmente acabo usando cores escuras demais. Ponsor faz um tremendo trabalho em Miles Morales. Eu acho que vou usá-lo como referência.

Eu ainda tenho um longo caminho à frente, mas acho que se seguir esses conselhos eu irei na direção certa. Muito obrigado!

BA: Agradeço pela sua participação, Erick. E boa sorte!

***** 

Você sabia que coloristas recebem contratos de exclusividade também? Isso te surpreende? Isso não deveria surpreendê-lo.

A colorização está se tornando cada vez mais importante na industria por razões não só artísticas, mas também econômicas.

Administrar o portfólio de coloristas da Marvel foi O trabalho mais importante de meu portfólio de responsabilidades.

Justin Ponsor e sua técinica de face

É comum (mais comum do que deveria acontecer), quando os roteiristas ou artistas (lápis ou arte-final) demoram mais do que deveriam para finalizar seu trabalho, é aos coloristas (e letristas) que acabam sendo feito o pedido de corrigir o atraso, ficando acordados por noites inteiras e fazendo com que a HQ seja entregue em tempo. Sextas-feiras na Marvel (o deadline típico de se enviar uma HQ completa para a gráfica) eram, geralmente, a noite de se esperar pela chegada dos últimos trabalhos de cor de HQs que não podiam atrasar (o que, na época em que saí, era nenhuma HQ). Isso acrescenta uma pressão considerável nos nossos coloristas e normalmente eu conversava com o editor para sugerir um outro colorista que aliviaria para o primeiro. O “colorista-alívio” tinha que tentar emular, o mais próximo possível, o estilo e as palhetas do colorista primário. Isso foi bem difícil de se fazer no começo, mas com o tempo tornou-se uma “segunda natureza” e agora, para cada colorista que você vê em cada HQ da Marvel, eu posso falar o nome de pelo menos mais um que poderia entrar e fazer um trabalho similar ao primeiro.

Assim como um rebatedor substituto no baseball é chamado pra sair do banco e fazer um home run quando necessário, coloristas podem ser chamados pra fazer sua performance em poucos dias, como se tivessem todo o tempo do mundo. Então não se contrata os coloristas apenas baseado em seu talento, mas também em sua habilidade de trabalhar sob pressão — as vezes, sob enorme pressão — sem espaço para erros.

Então bons coloristas não fazem com que uma HQ pareça bonita. Eles podem, literalmente, salvar uma HQ. Eles são os paramédicos, a primeira resposta. O banco da Marvel tornou-se não um lugar cheio de pessoas talentosas, mas de profissionais completos. Profissionais em quem você poderia contar quando seu trabalho estivesse na reta.

Com os talentosos gerentes e editores da Marvel eu ajudei a estabelecer um grande banco de coloristas. Um banco confiável. É algo de que muito me orgulho e que espero que dure.

Manter um grupo de coloristas afiados também fortalece a saúde econômica de uma editora e sua posição no mercado. Quando eu estava na Marvel eu passava bastante tempo mantendo nossos coloristas principais e exclusivos ocupados, para que eles não levassem seu trabalho para outros lugares.

De fato, há uma estratégia de parear os melhores coloristas especificamente com novos talentos que ainda não tivessem se tornado grandes nomes, mas que espera-se transformar numa estrela. Coloristas de excelente nível trabalharam de forma a ressaltar os pontos fortes de um artista de forma que a editora esperasse que eles obtivessem mais seguidores. Eventualmente, quando o trabalho de tal desenhista estivesse grande o bastante, o editor poderia trocar coloristas para ajudar a estabelecer um outro artista em ascensão.

A realidade é essa: custa menos fazer com que um colorista melhore o trabalho de um artista (lápis) do que pagar um arte-finalista para fazer o mesmo. Um colorista pode fazer dois, três, as vezes até quatro HQs por mês, o que quer dizer que pode melhorar o trabalho de muito mais artistas. Arte-finalistas, no entanto, não podem fazer o mesmo. Os melhores arte-finalistas com quem já trabalhei conseguiam fazer no máximo duas HQs ao mês — e, normalmente, com a ajuda de um assistente. Eu sei de coloristas que conseguiam pintar 100 páginas por mês (apesar de que a maioria também tinha “flatters” ajudando). Em outras palavras, manter coloristas é a melhor maneira custo/benefício de melhorar uma linha editorial e produzir trabalhos de valor a longo prazo tanto para artistas quanto para franquias.

Dean White e sua técnica de colorização branca

Agora, eu iria mais longe ainda e diria que o caminho mais tentador e inexplorado de crescimento está ligado em achar novos e inovadores estilos de colorização. Como eu disse antes, a palheta da Marvel está enraizada em tons de cores quentes como vermelho, amarelo, alaranjado, trabalhando com tonalidades azuis claras — o que eu costumava chamar de “a palheta pôr-do-sol perfeito”. A maior exceção a isso é o que Dean White está fazendo em Uncanny X-Force. Quando ele começou a colorir o trabalho de Jerome Opena, ele essencialmente criou novas técnicas para colorir o estilo único de Jerome, adicionando uma camada de branco desenhado, o que trouxe uma profundidade e vida totalmente inovadora para o trabalho de Jerome. Além disso, ele conseguiu criar um visual que chama a atenção para a HQ diferenciando-a das outras, chamando a atenção de leitores que procurem por algo diferente. Claro, Uncanny X-Force está sendo, de maneira consistente, um dos best-sellers da Marvel desde seu lançamento. Ao passo que há muitos acertos na série, o trabalho de Dean com as cores foi uma revelação inesperada e seu sucesso é, sem dúvida, em grande parte, ligado ao trabalho de cor. Será que existe lá fora alguma técnica de colorização que poderia levar toda a industria a uma nova direção? Talvez, se fosse dado aos coloristas mais tempo para que pudessem experimentar e descobrir essas novas técnicas ao invés de usá-los apenas como paramédicos para HQs na linha de perigo, isso seria, sim, possível.

E sobre arte-finalistas? Numa industria que cada vez mais se apoia no trabalho dos coloristas, onde os arte-finalistas se encaixam? Bem, volte aqui na semana que vem quando eu revisar o trabalho de um deles e fizer meus comentários sobre a arte-final — e como, mais do que nunca, os arte-finalistas deveriam voltar a ser respeitados. Enquanto isso, sinta-se à vontade para deixar aqui suas perguntas e feedback nos comentários abaixo ou através do meu twitter @karma_thief.

*flatter: profissional responsável pelas flat colors, as cores-base com as quais trabalhará o colorista.

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No programa mais absurdo da história do Kokocast vamos para a Terra Selvagem — um lugar onde o sol brilha até debaixo d’água — para aprender o que heróis e vilões do Universo Marvel 616  fazem nas suas raras e merecidas férias.

Aprenda a usar anti-frizz, maquiagem e unhas combinando com o maiô, desvende o significado oculto do “bigode de Hitler”,  entenda como queimar áreas de baixo bronzeamento, descubra o real motivo da relação entre Lince Negra e Colossus, saiba porquê no fundo todo desenhista de HQ quer ser estilista e tenha certeza de que ,se um desenho está uma merda, a culpa é do colorista.

Download: Para baixar o episódio,  clique com o botão direito na imagem abaixo e selecione “salvar como” ou ouça pelo player no início do post. Você também pode assinar nosso feed no iTunes.

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Para que você possa apreciar esse episódio ao máximo, sugerimos que o acompanhe abrindo as imagens abaixo a medida que as comentamos no programa:

• Força na peruca
• Macho!
• O que faz a Vespa?
• Nosso patrocinador
• Do que se arrepende o Estrela Polar?
• O Magnum era virgem?
• Aprenda a desenhar o Fera e a usar xampu com George Perez!
• A She-Hulk malha!
• Cinta-liga ou #oColoristaErrou ?
• Tom Seleck, Tocha-Humana e Shanna
• O que aconteceu com o filho do Colossus?
• Alexandro, da Lady Gaga, em início de carreira
• Tempestade “pererecuda” ou #oColoristaErrou ?
• Diretamente de “Os Simpsons”
• Você já viu libélula em cocô?
• As covinhas da Mary Jane
• Bouncing-Boy ou Humpty-Dumpty?
• Que papelão! Estavam peladinhos?
• Character sheet ou character s*h*i*t ???
• O saco do Capitão América
• Namor pós-coito
• O pé está errado ou #oColoristaErrou ?
• Cable militarizado em seus trajes normais
• Desenhando com a bunda
• Manara, Silvestri ou #oColoristaErrou ?
• Thor de escova e Loki apahou do Paul Pope
• A Rainha Branca mijou na água
• O caminho da felicidade
• Helicóptero fantástico
• Apanhando na bunda, kink ou #oColoristaErrou ?
• De onde veio esse biquini? De onde veio essa água?
• Esse desenho só está aqui pra ser apreciado
• Eu gostava do Thor com barba

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Com o sugestivo título de “We Can Be Heroes” ou “podemos ser heróis” (esse nome lembrou bastante a campanha “Somos Heróis” do Ivan Freitas), a campanha conta com algumas premiações interessantes para os colaboradores — de assinaturas anuais da revista, passando por edições autografadas, até o prêmio especial (e só para 3 colaboradores) de passear na Comic Con com Geoff Johns e Gary Frank.

O vídeo da campanha conta com Jim Lee, Geoff  Johns e Bruce Timm. Assista:

A campanha já alcançou seu valor mínimo no site de financiamento colaborativo Indiegogo e ainda tem mais um mês de arrecadação.

* UPDATE: O Ivan Freitas nos contou que o projeto da DC é anterior ao dele.

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Sobre a Liga Extraordinária:

• A mini-série Nemo – Heart of Ice (na verdade, estrelada pela filha do indiano) saiu a pouco tempo lá fora. E Alan está a 16 páginas de terminar o roteiro da segunda aventura solo de Janni Nemo, chamada: The Roses of Berlin. Kevin O’Neill já produziu 12 páginas da edição, e um terceiro volume já esta no cronograma da dupla.

• Seguindo Century 2009, o quarto volume continuará seguindo cronologicamente o seu antecessor. Teremos uma nova Nautilus, provavelmente no espaço (??). Após o quarto volume, existe grande chance de que Moore retorne aos primórdios da Liga, e já avisa que infelizmente não teremos viagens no tempo como gostariam os fãs.

Sobre Providence:

• Ainda envolta em mistérios, o que Alan se dispõe a falar sobre o projeto é que será a sua tentativa verdadeira de escrever uma história a la  H. P. Lovecraft. Será, de certa forma, uma prequela e ao mesmo tempo uma sequência da sua obra Neonomicon. Trata-se de um trabalho que irá envolver as obras do famoso escritor, seus poemas, cartas e sua biografia. Nas palavras de Moore “essa é a pesquisa mais trabalhosa que fiz desde Do Inferno.”
  O escritor ainda disse que esse trabalho lembrará muito seu arco do Monstro do Pântano e o folclore americano.

Sobre Jerusalem:

• Será seu segundo livro em prosa, baseado na história de sua cidade natal Northampton.
  Alan está escrevendo o capítulo 33 de um total de 35. Um trabalho que dizem já estar com mais de 1500 páginas e quase uma década na produção. Pelo menos está perto do fim.
  Só resta ter paciência.

E pra fechar, uma belíssima alfinetada em todos os fanboys de Vingadores, hehehe…

Perguntado como foi a recepção de Century 2009 e a polêmica sobre Harry Potter, Moore respondeu: “Nunca tivemos problemas sobre isso. Acho que foi um enredo legítimo onde eu disse tudo que eu queria. Mas eu lí em alguns reviews que algumas pessoas ficaram ariscas com uma frase que Mina diz na série: ‘como a cultura ruiu em 100 anos?’. E diziam que essa foi a frase mais reacionária que eu já escrevi. Eu também diria que se você tem o filme dos Vingadores como um dos mais assistidos e se a maioria de seus espectadores são adultos — e eu acredito que sejam — então se você tem um enorme número de adultos contemporâneos indo assistir um filme contendo personagens e enredos feitos para entreter garotos de onze anos de idade há 15 anos atrás, então preciso dizer, tem algo de muito errado aí, não?”

Hahahahahahahahahahahahahah!

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Trata-se de um apanhado de artistas, histórias e estilos. O nome é bem escolhido, pois é a pluralidade brasileira. É a essência de misturas e o resultado refinado que se tem, como no estilo musical de mesmo nome. A diferença entre o ápice e os pontos calmos. Tem-se desde uma “Oficina do Diabo” que te ensina a como fazer um abajur de cabeça humana até uma paranóia dentro do metrô, passando por um manual de “Como finalmente deixar a timidez de lado e perder a virgindade” (em que ri muito) e até uma história, à la Godzilla, em 3D. Uma bela curadoria de inspiração que chegou às minhas mãos na Gibicon do ano passado e, desde então já li e reli algumas vezes pra revisar traços que me fizeram pensar ou rir.

Dentre todos aqueles enlatados que nos chegam de braços abertos e preços caros, o quadrinho independente, que no Brasil ganha forças com iniciativas como essa, apresenta uma qualidade e uma veracidade tão maior do que a grande maioria das milionárias editoras podem nos proporcionar. Não sei se é por conta de uma falta de um compromisso monetário ou se por excesso de paixão, mas essa me parece uma daquelas revistas que daqui a uns anos as pessoas comentarão: “Quando eu era mais novo lia essa revista”.

Portanto, clique aqui e veja essa e outras publicações do selo SAMBA e conheça mais sobre o que é produzido por aqui e talvez você nunca tenha ouvido falar.

SAMBA 2

Roteiro e arte: Vários artistas
SAMBA
130 páginas
2012

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Junte-se a Felipe 5 Horas, Barba Magnética e X-Salada (no finalzinho do episódio) nessa super-entrevista com o mega-casal de quadrinistas/animadores Paulo Crumbim e Cristina Eiko!

Conheça um pouco mais dos bastidores da produção dessa equipe. Saiba mais sobre o background de animação da dupla, o que foi o “Quadrinhos A1″, como ele se tornou Quadrinhos A2, de onde veio Gnut, e se intere sobre sua campanha no Catarse.

Conheça também um pouco mais sobre a animação Uma História de Amor e Fúria, o recém-lançado longa-metragem brasileiro (que ambos participaram).

Lista de links:

• Quadrinhos A2
• Gnut
• A campanha de Gnut no Catarse

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Comentado nesse episódio:

O dia-a-dia do casal:

O video da campanha de Gnut:

O trailer do filme asterisco Asterix e os Vikings:

e o trailer de Uma História de Amor e Furia:

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